The Jealous Curator: Art blogging en palabras de Danielle Krysa

El blogging es más poderoso que nunca y las galerías en México tienen que darse cuenta muy pronto del momento en que nos encontramos. Ya quedan sólo vestigios de aquellos tiempos en que las inauguraciones y las ferias de arte o las bienales sostenían un fenómeno productor de historia del arte y motor de mercado, que se encontraba absolutamente separado del entorno editorial. Curaduría y edición se encuentran más integrados que nunca.

Quiero mostrarles este video donde Danielle Krysa, blogger de “Jealous Curator”, explica un poco de su actividad curatorial que, cierto, es muy libre, pero en una constante de publicaciones nos da cuenta de cómo, de forma casi natural, esta integración arte/edición es completamente inevitable.

El blogging como una vía de exposición, comunicación y bitácora, es una actividad relativamente nueva si recordamos que apenas en los 90s era una novedad. Habiendo pasado la prueba de fuego (la competencia de las plataformas de blogging vs redes sociales en general), parece consolidarse de manera exponencial, y debo decirles que para aquellos que gustamos de leer en pantalla, la forma en que los blogs diagraman y cartografían cualquier tipo de contenido en la web es simplemente fascinante y sólo te lleva a una cosa: leer más y más en pantalla; es el círculo virtuoso de la lectura y  producción en este medio. Dicho lo anterior espero les guste el video.

Fuente de la imagen: The Jealous Curator
Fuente del video City of Walnut Creek. Ponencia de Danielle en colaboración con Bedford Gallery, 4 de Enero 2015.

ULTRAMAR en Feria Internacional del Libro de Monterrey 2014

A unos cuantos días del lanzamiento de la Edición 4 quiero invitarlos a la Presentación de ULTRAMAR, Revista de Estudios Estéticos en la Feria Internacional del Libro de Monterrey,  el sábado 11 de Octubre de 2104 a las 7:30pm en la Sala 107.

Link del evento en el programa de la feria: http://goo.gl/KPvMTS

Hablaremos tanto de la edición como de algunas cuestiones del arte en Monterrey, el sentido de hacer editorial y crítica en México; la posición de la literatura en general respecto a la filosofía y el ensayo como técnica; el papel del diseño como elemento crucial de la industrial cultural y los dilemas y prejuicios a los que se enfrenta por considerarse sólo como herramienta.

Me complace mucho pues el "Poshumanismo" tema central de la edición, es una gama de vertientes con grandes implicaciones para el pensamiento contemporáneo. Ha resultado una compilación muy interesante porque rompe algunas ideas que se tienen del tema. Ciencia, tecnología y arte son sólo algunas de las maneras de abordarlo, nos encontramos ante una serie de cuestiones filosóficas sobre los límites del cuerpo. No obstante, los ensayos desarrollan líneas de estudio muy sutiles, buscando en la raíz de todo posible planteamiento poshumanista.

Un poco de historia:

Ediciones 3 y 4 de ULTRAMAR fueron propuestas como dos grandes partes de un todo, tomamos la división aparente de la mente y el cuerpo dando a la Edición 3 el primer concepto los estados mentales, y a la 4 el concepto del cuerpo. 

ULTRAMAR Edición 3: Almas o Mentes

Puesto que ese dualismo es más o menos recurrente decidimos cuestionar en la edición 3 si el tema clásico del alma y los planteamientos recientes de las neurociencias se oponen radicalmente, lo que implicaría otra división, alma y mente entonces, como paradigmas distintos que explican el centro densificado del ser humano.

Pero el cuerpo extensivo, biológico y limítrofe: poshumanismo, aún siendo un concepto tan entrecomillado, permite cuestiones sobre la contundencia de la carne, la experiencia y el instrumentalismo.

Luis Camnitzer y la enseñanza de arte

¿Es el arte algo que puede enseñarse? Luis Camnitzer desarrolló una serie de observaciones sobre la Enseñanza del arte, mediante un discurso de apertura de su exhibición en el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia en su capital, Bogotá. 

Comparto el link a la entrada en Esfera pública, vale mucho la pena leer el texto, y algo de información sobre la exposición en cuestión.

Link:

La Enseñanza de arte como fraude

Por Luis Camnitzer

Y una entrevista que le hicieron en Punto de fuga:

Entrevista

En un texto de varias cuartillas el artista conceptual se dispuso a hablar muy honestamente sobre algunos de los panoramas posibles con los que se encuentra un estudiante profesional de artes visuales. Claramente con el tono crítico que caracteriza su obra, Luis Camnitzer puntualiza la relación de las definiciones de arte con la educación profesional que proyecta un rol social y laboral. Para ser más claro esto significa literalmente que todo aquello que pasa en la teoría del arte (a eso es que me refiero cuando hablo de definiciones), tiene por mucho relación directa con la enseñanza del arte, académica o informal, puesto que no se puede esperar que se sepa sobre arte algo que no se plantea en ningún lado. 

Tal muestra sucedió en 2012, en un conversatorio con Katrin Steffen, curadora de la Colección Daros Latinoamérica, María Belén Saenz de Ibarra directora nacional de divulgación cultural y curadora y Alejandro Burgos, filósofo, escritor y curador (Fuente: Esfera pública). 

Resulta de mucha actualidad dentro de la crisis educativa de la enseñanza de arte, sobre todo de arte contemporáneo.

ULTRAMAR, Revista de Estudios Estéticos

Me interesa invitarles a conocer el proyecto en que trabajo actualmente, en EL CUERPO ABIERTO siempre ha sido el objetivo generar movimiento en las ideas, y la labor continúa porque ni el pensamiento ni la filosofía se detienen. Me da gusto también que lejos de pausar este blog, se pueda vincular a otros espacios de discusión, además de las extraordinarias implicaciones de un impreso.

Links:

En estos días hablar de arte se torna complicado, no sólo por que el arte se ha ido haciendo a sí mismo más complejo, sino porque conocer de arte implica una formación, y esta no la brinda directamente el evento al que asistimos, las fotografías que percibimos, ni las obras audibles que apreciamos. Pero esa brecha entre el arte y los artistas con el resto del mundo, también ha sido ocultada, solapada, incluso por los mismos actores que lejos de poder ofrecer explicaciones concretas de cómo funciona el arte o de poder afirmar siquiera si es que a caso “funciona” de forma alguna para la sociedad actual, llena de mediatizaciones con discurso propio que se autoreproduce. Dentro de esas máquinas sociales, las mecánicas: la rutina y el trabajo, la producción de capital, se han excluido muchos modos de acercamiento al arte.

ULTRAMAR es una publicación bimestral de Estudios Estéticos, Filosofía, crítica de Arte y Literatura, que se dedica a plantearse preguntas sobre la naturaleza del arte y las perspectivas del sentido común ante los objetos, sentido que encuentra en el ensayo la manera de hacerse lugar en la materialidad verbal. Es nuestro interés primordial integrar líneas de trabajo crítico que son poco comunes y difundirlas a fin de lograr mayor diversidad. 

PROBLEMÁTICA QUE ABORDAMOS

Hay pocas revistas dedicadas al ensayo literario y poca difusión de investigación en filosofía, estética, estudios culturales, estudios visuales, semiótica y teoría literaria.

Mientras algunas publicaciones de estudios académicos dan la sensación de pesadez, otro tipo de revistas abusan de la imagen en detrimento de un contenido relevante.

Existe una aparente segmentación entre artes visuales, filosofía, literatura y diseño. Los estudios estéticos permiten confluir esas cuatro vertientes.

En proceso de impresión

Placa con fragmento del ensayo de Santiago Koval

LAS PALABRAS SOBRE FOTOGRAFÍA NO LA EXPLICAN + PALABRAS DE SASHA RUDENSKY SOBRE SU TRABAJO

Continuaré complementando entradas sobre fotografía por que sigue muy presente el tema de la dificultad de hablar de esta. Sólo iba a postear la entrevista que le hacen a Sasha Rudensky, pero me vienen unas ideas y aprovecho para ampliar otros comentarios que he hecho sobre la fotografía artística.

No se describe como hacer una buena foto, sino que se señala un buen trabajo. Apuntar, señalar, es una de las formas elementales de sustraer algo  de su más común situación originaria, tal vez la fotografía artística hace simplemente eso, dirigir su mirada, y dirigir la nuestra a un plano, pero el asunto es que ese acto es silente y todo lo que lo es encierra mucho misterio.

Habiendo millones de imágenes en la web, seguimos dirigiéndonos a unas pocas que llevan consigo algo de ese hermetismo. No se habla de la fotografía para explicarla sino para declarar el espacio, el mutismo y la mirada.

Esta es la entrevista, vi su trabajo en una exhibición hace un tiempo y anoté su nombre, busqué la serie en la web, es muy interesante, lo presenté hace unos meses, las fotos las puse en Flickr y han gustado bastante.

Esta es la entrada de Sasha Rudensky:

http://elcuerpoabierto.blogspot.mx/2012/01/sasha-rudensky.html

Cuatro fotografías de la serie "Demons".

www.flickr.com ELCUERPOABIERTO Sasha Rudensky photoset

RELACIÓN ENTRE BAUDRILLARD Y "LOS PROBLEMAS DEL ARTE"

Hay mucho trabajo por hacer, a veces algunas cosas parecen tan claras y otras simplemente el mundo del arte es aburrido, uno puede llegar a sentirse con derecho a violentar, a problematizar situaciones y encuentros con tal de que suceda algo interesante. 

Suelto de golpe dos post, el preview del ensayo en que trabajo muy lentamente desde finales de 2011, "Los problemas del arte", es poco más que un Trailer oficial. Mi preocupación ahí es cartografiar mi propio punto de partida al momento de emitir cualquier juicio, no se si se pueda convertir en metodología, en parte por que dudo mucho de los métodos, pero al menos intentaré poner unas cosas sobre la mesa, es decir, arrojadas, objetos dispersos, situaciones aleatorias, juicios diversos, balbuceos, para con "todo el tiempo del mundo" dedicarme a ordenarlos, es así de sencillo, dar incluso varios modos de agrupar (es un poco lo que se hace cuando ponemos etiquetas a un post). Confío en que habrá más claridad en temas de arte que al inicio y eso es mucho decir.

El otro post es un fragmento de un ensayo de Baudrillard, de hecho es casi completo el escrito, sólo que corte unas partes donde habla menos de pintura. Me interesa difundir ese trabajo, Baudrillard es muy atinado; me atrevo a decir que es uno de los muy pocos filósofos que hablan de arte en un discurso muy afín a lo que ciertos artistas dirían sobre el arte, o sea que no es muy desde afuera. Es muy importante. 

Van a encontrar ya implícito en mi escrito el gesto de los ensayos de Baudrillard sobre arte, pero también mucho orden, más cuadratura, eso es más por influencia de Antaki, Popper y Wittgenstein, creo que es reconocible. 

Debo decir además que me alegra y me tiene más tranquilo el hecho de que Jean Baudrillard ha pasado un poco de moda, eso permite trabajar mejor y ya no todo el mundo habla de simulacros, se puede entonces desarrollar trabajos sobre otras de sus nociones que son aún más interesantes.

EL ARTE, ILUSIÓN EXACERBADA

Lo que sigue es una parte del escrito de Jean Baurillard que aparece bajo dicho nombre junto a otros ensayos como "El complot del arte" e "Ilusión y desilusión Estéticas", el año de 1997. Lo he tomado por que la pintura es compleja e irresuelta y como bibliografía esencial del actual trabajo crítico de este blog.

M.C.

Si existe hoy una gran dificultad para hablar de la pintura, es porque existe una gran dificultad para verla. Pues la mayoría de las veces ella no quiere exactamente ser mirada, sino absorbida visualmente, y circular sin dejar rastros. 

La pintura sería, en cierto modo, la forma estética simplificada del intercambio imposible. Tanto es así, que el discurso que mejor podría dar cuenta de ella sería aquel en el cual no hay nada que decir. El equivalente de un objeto que no es un objeto. 

Pero un objeto que no es un objeto no es justamente nada, es un objeto que no cesa de obsesionar con su inmanencia, con su presencia vacía e inmaterial. Todo el problema reside en materializar esta nada en los confines de la nada, trazar la filigrana del vacío en los confines del vacío, jugar según las reglas misteriosas de la indiferencia en los confines de la indiferencia.

El arte nunca es el reflejo mecánico de las condiciones positivas o negativas del mundo: es su ilusión exacerbada, su espejo hiperbólico. En un mundo consagrado a la indiferencia, el arte no puede más que acrecentarla. Girar alrededor del vacío de la imagen, del objeto que ya no lo es. De este modo, el cine de autores como Wenders, Jarmush, Antonioni, Altman, Godard, Warhol, explora por medio de la imagen la insignificancia del mundo; estos autores contribuyen con sus imágenes a la insignificancia del mundo, incrementan su ilusión real, o hiperreal. En cambio, un cine como el de los últimos Scorsese, Greenaway, etc., no hace más que llenar el vacío de la imagen en forma de maquinación barroca y high-tech, con una agitación frenética y ecléctica, aumentando así nuestra desilusión imaginaria. Igual que esos Simulacionistas de Nueva York que, hipostasiando el simulacro, no hacen más que hipostasiar la pintura como simulacro, como máquina enfrentada consigo misma.

En muchos casos (Bad Painting, New Painting, instalaciones y performances), la pintura se reniega, se parodia, se vomita a sí misma. Deyecciones plastificadas, vitrificadas, congeladas.

Gestión de desechos, inmortalización de desechos. Ya no existe siquiera la posibilidad de una mirada: aquello ya ni siquiera suscita una mirada porque, simplemente, ya no nos concierne. 

Si ya no nos concierne, nos deja completamente in diferentes. Y esa pintura se ha vuelto, en efecto, completamente indiferente a ella misma como pintura, como arte, como ilusión más poderosa que lo real. Ya no cree en su propia ilusión y cae en la simulación de sí misma y en lo grotesco.

Jean Baudrillard, 1997.

LA SEDUCCIÓN DE BAUDRILLARD

"Y como la sexualidad proviene también como dice Foucault, de un proceso de producción (de discurso, de palabra y de deseo), no hay nada de sorprendente en el hecho de que la seducción este todavía mas oculta. Seguimos viviendo en la promoción de la naturaleza –ya fuera la en otros tiempos buena naturaleza del alma, o la buena naturaleza material de las cosas, o incluso la naturaleza psíquica del deseo-, la naturaleza persigue su advenimiento a través de todas las metamorfosis de lo reprimido, a través de la liberación de todas las energías, ya sean psíquicas, sociales o materiales". 

Jean Baudrillard

Seguramente encontrar en este fragmento un M. Foucault explícito y un J. Baudrillard implícito junto a palabras como "deseo", "sexualidad", "naturaleza" y "discurso" tienen el punto más evidente de contacto con cuestiones de la psique y por qué no decirlo, de las psico/lógicas, mi pregunta para ti es: 

¿No es a caso un texto digno de un esteta?

No es fortuito, sólo es curioso que parezca tan poco visible que es el deseo y no la belleza el centro de poder de los estudios Estéticos. En este magnífico desplazamiento que cruza frente a mí, como muchas otras noches y que por razones ajenas a mí no ha desenredado un ensayo completo, quiero escribir algunos enunciados. Serán paganos y blasfemos para algunos y frescos para otros, o eso espero y si no pues ni como arreglarlo.

Aquí el movimiento (es fascinante observarlo):

1. La Estética desplaza su foco de atención, no lo es más la belleza, la cual no logra definir.

2. En cambio esa indefinición está plenamente sugerida por las dinámicas del deseo, las cuales tienen su eje en el hecho de no necesitar ser definidas para continuar su impacto trivial o bien, natural.

3. El centro de la Estética no sería entonces la belleza sino el deseo.

¿Qué tiene esto que ver con el arte?

4. La única posible disciplina relativa al arte que pueda sostener el título de teoría en su rigor sería la Estética.

El desplazamiento terrible y fascinante de la Estética:

5. Pero el objeto central de la Estética no es el Arte, sino el deseo.

Y finalmente de lo anterior pueden devenir dos peligrosas pero interesantes sugerencias:

a) Que el arte se dedica al deseo, lo cual resta mucha rigidez a la racionalidad de las artes visuales, la incertidumbre retorna a estas (aquí ubico como caballo de Troya la noción anteriormente mencionada de la imagen como abismo de sentido).

b) ¿No será menos tiránico el tratamiento del deseo por un Esteta que por un Psicólogo?

LA IMAGEN EN SU NIVEL INFINITESIMAL

¿En qué estábamos?

Ya. La foto.
Toda la obra fotográfica que mostramos anteriormente

Bradford Gregory, Steven John Kazlowsky, Tereza Vlckova, Nadia Sablin, Joel Sartore, Sasha Rudensky, Kristoffer Axén, Kim Holtermand, Koen Hauser, Sylvia Doebelt, Christophe Kutner.

tiene la finalidad de tocar un punto en específico, el de cómo tomar la imagen, cómo abordarla con la mirada pretendiendo que no hay más sino un encuentro. Pretendiendo, porque siempre hay más.

Ese "algo más" es en general el arte, pero ahora no estamos hablando a profundidad sobre arte sino sobre la particularidad de la fotografía artística, es ahí donde se puede simplemente abrir la imagen.

La fotografía tendría que lograr eso que me parece lo hace claramente cualquiera de las imágenes que escogí: nacer en la mirada y dirigirse a esta. No estoy tratando de enseñar algo, más bien estoy intentando entender qué sucede con la imagen fotográfica, de sustraerle el asunto meramente técnico logrando que esa superficie impresa cruce hacia nosotros más de lo que nosotros a la superficie.

Desglosemos esto, esta clase de imagen, que no siempre es lograda, tiene algo que sobrepasa al fotógrafo como el discurso sobrepasa a quien escribe. En esos mares somos más o menos unos náufragos. Ahora que está aquí, usted tiene dos opciones, intimidarse ante ese mar abisal, o bien sonreír al fugaz reflejo que le ofrece la superficie y dejar de ver la fotografía como lo hacía antes, jugar y dejarse llevar por la imagen en su nivel infinitesimal.

Cambio, y fuera.

LA PROFUNDIDAD DEL MAR

Unos fotógrafos hablaban de su trabajo personal en una conferencia. Decidí lanzarles la pregunta fuerte, la más verdadera e intensa. ¿Qué hay en el trabajo de todos ustedes que sea lugar común? ¿Qué es la fotografía? 

Contestaron con evasivas malinterpretando mi pregunta como un juicio, citaron a Barthes como si lo hubiese referenciado yo, en fin, siendo que esas cuestiones sobre la instantánea me parece quedan muy cortas ante lo que puede ser la fotografía. 

En la segunda conferencia que fue ayer, ese juicio ficticio que pusieron en mi voz, lo validaron los nuevos ponentes, ¿De qué se trata entonces? Esto quiere decir que no hay unidad en su discurso, que son pequeños discursos divididos en las subjetividades y que es muy cómodo no tratar de hablar más que de circunstancias de los proyectos pero nunca de la fotografía.

Como decimos sonrientemente entre amigos: no va por ahí.

No es posible responder esa pregunta de buenas a primeras, sobre todo si nunca me la he planteado. Pero no podemos acobardarnos ante algo de tal magnitud.

Desde hace tiempo he pensado que la fotografía es inabordable discursivamente. Ese había sido mi juicio. Pero esa misma situación de magnífica complejidad, hoy me parece seductora. 

El hecho de que se hable de todo menos de su naturaleza fundamental me parece cada vez más tentador ¿Por qué? ¿Qué les falta? ¿Cuándo van a afrontar algo? Me doy cuenta que el arte se vuelve de pronto muy cómodo; expresiones como “todo puede ser arte” o “el arte significa lo que usted quiera” resultan prodigiosas ante las masas y cuando a alguien siquiera se le ocurre que NO, no todo puede ser arte, le miran con mucho cuidado y le toman por elitista. No es un asunto de élites, en esencia es un asunto de pensar, de darle a cada cosa un sitio que le corresponde.

Por otro lado ¿Por qué le pueden gustar a uno tantas cosas que van a contracorriente?

¿Qué hay en el desafío? 

Repentinamente todo parece tan claro: no escribo por escribir sino por el desafío.  

Imaginen un tornado: cónico, terrible, intenso, frívolo, demasiado juguetón. Bien, algo así sucede con mis ideas en este momento y necesito que se calmen las olas, ahora sólo veo espuma chocando en las rocas, pero en cuanto pueda darle un respiro a esto, tendrá que partir, mi sugestión o sugerencia sobre la foto como arte, desde dos puntos de arranque que luego se irán alterando:

El primero 

La fotografía es inabordable discursivamente. Sólo puede abordarla la mirada de un modo no verbal. Tiene que ver con lo no decible.

El segundo

Hay un concepto que llamo el “abismo de sentido”. La imagen es un abismo de sentido, no como un hoyo negro, no, sino como el mar abisal. La imagen es profunda como el mar.

FOTOGRAFÍA

Mañana mismo desempolvaré mi cámara réflex, estaré trabajando buena parte del año con fotografía análoga. Y espero sea posible tener muy pronto mi propio laboratorio para blanco y negro.

Este mes será para mí algo así como el mes de la fotografía. Tengo muchas inquietudes sobre el arte fotográfico y planeo llevarlas a cabo técnicamente, pero como ya es usual primero abordaré la foto con la palabra. La palabra tiene esto de revelador, desde la conversación hasta el aterrizaje de ideas en un ensayo, es un genuino canal para sintonizar el pensamiento sea sencillo o muy abstracto. 

Debo empezar por dar la noticia de que la Kodak se ha declarado en banca rota; me da mucho qué pensar por que uno de los principales problemas es que la fotografía parece haber evolucionado a un mundo digital pero en realidad sólo ha descubierto técnicas más sencillas. 

Hoy es todo un problema, al menos en la ciudad donde vivo, revelar o imprimir fotografía análoga. Es obviamente en gran medida una cuestión de mercado, no es como el audio que sí se ha vuelto más fiel digitalmente que cuando había cintas. 

Una de las cualidades principales de la foto análoga es que no conoce de pixeles, si ustedes saben algo muy básico de diseño se darán cuenta que toda la imagen depende de un gran entramado de pixeles y puntos, eso por ejemplo no sucede con los vectores, por ello es hoy más importante usar Illustrator que Photoshop, bien pero aunque eso es diseño, se liga a la foto porque su manejo de color en foto digital así como de impresión es muy similar al del diseño e impresión de cualquier otra imagen que no sea fotográfica, es decir, uso de colores en impresoras digitales. Igualmente por la misma razón el papel no ha logrado un efecto siquiera similar a la reacción química de la luz siendo impresa. 

De modo que cierro esta entrada anunciando que iré aterrizando ideas sobre la fotografía artística desde todos los aspectos que me sea posible abordar: técnicamente, estéticamente, críticamente. 

EL ARTE EN SÍ

Mel Bochner

No es posible tratar algunos problemas del arte contemporáneo sin entender cómo se llegó, de un “anti arte” a principios del siglo XX, a la noción de desmaterializar el arte en los años setentas, para después pasar a una relajación donde técnica, representación, medio y mercado del arte vuelven a dominar. El arte actual es confuso en su generalidad por esa carencia de secuencia, aún cuando haya algunas pequeñas claridades en ciertos artistas; eso que llaman arte contemporáneo es más bien un amontonamiento donde cosas viejas y nuevas se empalman indiferentes y comparten espacio bajo la excusa de diversidad, multiculturalidad y transdisciplina, si sus discursos no chocan es porque casi nunca los hay, sólo imágenes. Se abandonó la idea de vanguardia y se suplantó su búsqueda por la de nuevos medios y soportes para decir las mismas cosas que ya se decían. La vanguardia tiene que ver con mantenerse en la discusión, muy poco arte hoy día lo hace. Pero hubo un momento en que podían ser delimitadas las tendencias, debemos regresar a esas discusiones, es el arte conceptual una cumbre muy clara, es extraordinariamente nítida su posición ante el arte y eso nos da mucha materia para la filosofía. La claridad de esos artistas se debe a su pleno interés en el pensamiento que era importante más aún que el arte. Si deseamos vincular arte con filosofía verdaderamente, no hay mejor opción que estudiar el conceptualismo.

It is not possible to treat some problems of contemporary art without understanding how an "anti art" (dadaism, futurism…) in the early twentieth century move to the notion of dematerialized art in the seventies (idea art, concept art), to just then turn into a relaxation where technique, representation, medium, and the art market, again dominate. The current art is confusing in its generality by that lack of sequence, even when there’s some small clarities in certain artists; the socalled contemporary art is more like a pile where old and new things are spliced indifferent and share space under the guise of diversity, multiculturalism and transdisciplinary, if these discourses not clash each other is because almost never there solid discourses to clash, just images. The concept of vanguard was abandoned and replaced leading his search for finding new techniques and media to say the same things already said. The vanguard has just to do with staying in the discussion, very little art today does. But there was a time that trends could be defined; we must return to these discussions, conceptual art is a very clear peak, is extraordinarily palpable position on the art and that gives us much raw material for philosophy. The clarity of these artists is due to its full interest in the thought, “idea” was even more important than art in itself, even so almost just they define the term “art as art”: the notion of art in itself. If we wish to really link art with philosophy does not get better than studying conceptualism. 

M.C. jul/2011

Abstract del Capítulo primero de "PROCESUALISMO, MISMIDAD Y OBJETOS NO CONTENIDOS". 

EL CINE

No soy cineasta, pero estoy obligado a abstraer y a observar panorámicamente, es mi trabajo. La sensación de pensar en cine ha nacido tras ver cómo en los festivales y congresos se habla de todo menos de cine. Los estudiantes solo tienen en la cabeza la idea de cómo harán para meterse en ese circuito y darle sentido a su carrera profesional, ocupar un lugar en ese espacio. Los distribuidores solo piensan en sus salas y en el hecho de que las golosinas son realmente lo que mantiene su negocio. Los actores necesitan sus premios, proyectarse a Hollywood y a festivales internacionales. Los directores no tengo idea en qué piensen, quiero creer que se preguntan cada día como hacer para no ceder demasiado al mercado y permanecer aun así con cierto prestigio. En fin.

Si quitamos todo eso la pregunta es ¿Dónde está el cine? ¿Qué diantres es el cine? Cuando uno se da cuenta que ni los premios ni los festivales responden a estas preguntas queda la sensación de que falta algo, falta pensarlo y abstraerlo.  

El cine es difícil de abordar, es relativamente poca la gente que lo piensa. Es amplio, diverso y no todas sus cualidades se encuentran en la búsqueda de un cine de vanguardia, es a veces hasta difuso. Tiene en cierta forma algo parecido a la música. Decir que a uno le gusta el cine significa una gama de cosas, nunca una sola. En este medio casi todos somos consumidores, hay poca gente inmersa en su trama y sin embargo, es demasiada como para dejar  toda la responsabilidad y el crédito en un autor.

Isabelle Huppert

 en La pianista 

Lo primero que hay que hacer es no considerarnos cinéfilos eso es más bien un cliché, no todo el cine comercial es malo ni todo el cine de autor es bueno y por otro lado uno casi del diario puede encontrar producciones de las que no había escuchado. Hay que abordarlo críticamente y esto es difícil porque siempre estará unido a una experiencia estética, a veces solo hay un “me gusta” o “no me gusta”, por las razones que sea, pero esa cualidad que se manifiesta al momento de salir de la sala o al ver los créditos de un DVD, o un avi para el cual se ha tenido que buscar un subtítulo que sincronice, es decir, la decisión que sucede al final de toda esa dinámica que hace posible que veamos un film de principio a fin y que nos lleva a buscar más obra de su director, guionista o sus actores, está dada en esa reducción a lo que me ha enganchado de esa obra, es una cualidad ambigua. Esa cualidad sostiene la industria del cine, y no sé si se está entendiendo mi intención, pero es un asunto estético.

Fuera de las sinopsis clásicas, es la única manera de abordar el cine como arte, a través de la Estética. Suena muy abstracto pero es todo lo contrario, hay que llegar humanamente al cine, con “esto” que soy.